Quels sont les principes du design dans l’art ? L’art étant une forme d’expression, l’utilisation des principes de conception donne aux critiques un point de vue à partir duquel ils peuvent juger l’art. Cela permet également aux artistes de disposer de modèles et de guides à intégrer dans leurs œuvres pour une meilleure fidélité visuelle.
Quels sont les principes de l’art ?
Il existe douze principes de conception reconnus dans l’art :
- L’équilibre
- Contraste
- Accentuation
- Mouvement
- Dominance
- Motif
- Rythme
- Unité
- Variété
- Proportion
- Échelle
- Espace
Bien que les artistes n’utilisent pas nécessairement ces principes, ils fournissent des lignes directrices pour aider les artistes à créer des œuvres d’art. Ainsi, c’est à l’artiste de jouer avec ces principes pour créer des œuvres uniques. Nous allons explorer ces principes plus en détail ci-dessous :
L’équilibre
L’équilibre fait référence au poids visuel transmis à l’observateur sur la composition totale d’une œuvre d’art. L’équilibre est censé exprimer des sentiments de stabilité et de confort, tandis que le déséquilibre est utilisé pour provoquer des sentiments d’inconfort chez l’observateur. Il existe trois degrés d’équilibre :
L’asymétrie
L’asymétrie est une image présentant un manque d’équilibre. L’asymétrie se produit lorsque les deux moitiés d’une image ou d’une œuvre d’art ne se reflètent pas l’une l’autre. Des lignes horizontales et/ou verticales définies transversalement divisent l’œuvre en deux moitiés égales.
2. La symétrie
À l’opposé de l’asymétrie, il s’agit d’une méthode permettant de choisir un équilibre parfait dans laquelle deux moitiés d’une œuvre d’art se reflètent l’une l’autre. Par exemple, une peinture d’un visage dont les deux côtés sont identiques en termes de taille, de forme, de couleur, de forme et de contraste.
3. Symétrie radicale
La symétrie radicale est une méthode permettant d’obtenir un équilibre en espaçant tous les éléments autour d’un point central. Par exemple, les rayons qui sortent du moyeu d’une roue de vélo.
Contrast
Le contraste est la distinction entre les éléments d’une œuvre d’art et la façon dont ils se complètent ou s’opposent les uns aux autres. Dans le cas d’un choc, il s’agit d’un contraste fort entre des éléments tels que des couleurs, des formes ou des images.
Ce faisant, vous attirez l’attention du spectateur sur le point central du contraste. Les artistes le font souvent pour créer une image frappante, un sentiment de malaise, un sentiment d’émerveillement ou pour transmettre un message au spectateur.
Un exemple courant de contraste est celui des couleurs claires et foncées pour illustrer les thèmes du bien et du mal.
Accent
Tout comme le contraste, l’emphase consiste pour un artiste à utiliser une combinaison de techniques pour attirer l’attention du spectateur sur un élément crucial de son œuvre.
Cependant, contrairement au contraste, l’accentuation s’appuie sur divers éléments pour attirer l’attention du spectateur. Elle ne peut pas s’appuyer sur une technique unique, telle que les juxtapositions, pour souligner le point de contraste.
Le mouvement
Ce principe de conception implique une illusion de mouvement dans les œuvres d’art. Il guide l’œil du spectateur dans la direction et la vitesse des mouvements qu’un artiste espère reproduire. Les artistes doivent utiliser le travail au trait pour obtenir l’illusion du mouvement.
Les techniques utilisées pour illustrer le mouvement comprennent les lignes diagonales, les lignes courbes, les bords, l’illusion d’espace, la répétition ou le marquage rapide.
La domination
La dominance utilise des images, des styles, des formes et des couleurs similaires pour créer un sentiment d’émotion écrasant ou un message derrière une œuvre d’art. La dominance ne doit pas être confondue avec l’unité (voir ci-dessous pour plus de détails).
Motif
Les motifs impliquent la disposition de pièces d’art qui suivent des formes et des séquences logiques et perceptibles d’une image ou d’une structure.
Bien qu’ils ne soient pas toujours clairs, même les motifs les plus chaotiques peuvent créer des images, des messages, des symétries ou des thèmes qui se chevauchent.
Le rythme
Combiné au mouvement, le rythme permet de créer des scènes et des images qui vont et viennent avec une pièce. Le rythme est obtenu par la répétition d’images ou de styles artistiques (comme le mouvement des coups de pinceau).
Comme la musique, le rythme doit être juxtaposé à des motifs uniformes pour donner vie et variété à une œuvre d’art. Le rythme peut donc être uniforme pour améliorer la continuité ou irrégulier pour créer une image remuante.
Unité
L’unité consiste à réunir tous les éléments d’une pièce sous une seule et même bannière. Si un artiste veut créer un style distinct, l’unité est nécessaire, bien que trop d’unité puisse conduire à des œuvres d’art monotones et fades.
L’unité peut également être utilisée pour copier ou recréer des œuvres d’art d’autres artistes ou influences.
Variété
La variété est le contraire de l’unité. La variété, c’est donc lorsque les éléments d’une œuvre se distinguent les uns des autres pour créer des thèmes, des images et des styles stimulants et contrastés.
Lorsqu’elle est combinée à parts égales avec l’unité, la variété peut aider une œuvre d’art à élever le style d’un artiste à un point distinctif.
Cependant, une trop grande variété crée des pièces chaotiques qui ne parviennent pas à transmettre leurs thèmes, messages ou images avec clarté.
Proportion
Les proportions sont la taille des éléments d’une pièce par rapport aux autres. Les images plus grandes attirent l’attention du spectateur en collaboration avec le principe de l’emphase. En comparaison, les images plus petites sont ignorées ou jugées négligeables pour le thème ou le message.
Les proportions n’ont pas besoin d’être liées à la compréhension des proportions dans le monde réel. Elles constituent donc un excellent test pour les artistes qui cherchent à repousser les limites du réalisme ou du surréalisme.
Par exemple, dessiner la forme humaine avec des têtes hypertrophiées ou des membres allongés peut aller du comique au malaise. En comparaison, des proportions précises tentent de recréer le monde réel, invitant les spectateurs à voir à travers l’objectif de l’artiste.
Échelle
Comme les proportions, l’échelle concerne la taille des images dans une œuvre d’art. Mais, contrairement à la proportion, qui est une méthode de contraste soumise aux contraintes du monde réel, l’échelle existe indépendamment de toute juxtaposition.
Espace
In its simplest form, space is the absence of artwork or focal images (e.g., the use of blank canvass in an art piece or the landscape in the background of a group of people.)
But, space is essential in conveying messages and themes and grounding the viewer in the artist’s created realm. So, space and the lack of images are as important as the critical images in an art piece.
For example, empty space can convey feelings such as loneliness, while lack of space can convey control feelings.
FAQ
Qui a inventé les principes du design ?
Étant donné que le design trouve ses racines dans le besoin fondamental de création de l’humanité, on ne peut attribuer à une seule personne ou institution le mérite d’avoir développé les principes du design.
Le design est inhérent et, à bien des égards, accidentel. Si la liste ci-dessus mentionne douze principes de design, il ne s’agit peut-être que d’une fraction de tous les éléments présents dans les œuvres d’art à travers les siècles !
Dans les sociétés occidentales, on pense que le catalogage, l’étude et la recréation des principes de conception remontent à la Renaissance. La poursuite de ces principes dans l’ingénierie et l’architecture est devenue un point central d’étude pendant la révolution industrielle.
Les principes de conception continuent de changer et d’évoluer, il ne s’agit donc pas d’une liste statique.
Puis-je devenir un artiste sans connaître les principes du design ?
Quel que soit son âge ou ses capacités, tout le monde peut devenir un artiste !
Pourtant, si de nombreux artistes ont excellé au fil des ans sans formation formelle, ils auraient intégré ces principes sans les étudier.
Les artistes sont donc encouragés à apprendre ces principes et à les intégrer dans leurs œuvres afin d’améliorer leurs produits finaux. En particulier dans le cas de techniques spécifiques telles que les principes de l’espace ou des proportions pour les artistes s’adonnant au réalisme/naturalisme.
Conclusion
Bien que les principes ci-dessus ne soient que des lignes directrices, les artistes et les critiques feraient bien d’apprendre ces principes.
Apprendre les principes du design peut contribuer à améliorer votre art et votre appréciation de l’art des autres.
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